COMEDIA DEL ARTE

 

“ARLECCHINO &CO.”


TALLER TEORICO-PRACTICO DE COMEDIA DEL ARTE

DIRIGIDO POR EL ACTOR STEFANO PANZERI (ITALIA)


Taller de comedia del arte para estudiantes de arte dramático, para actores y para quienquiera esté interesado en este género teatral.


DURACION:
8 horas repartidas en 2 encuentros (11 de junio 14-18 horas, 12 de junio 10-14 horas de trabajo teòrico y técnico )


CONTENIDOS:


El taller ofrece una mirada general a la historia y al carácter de las principales máscaras de la tradición teatral italiana de la Comedia del Arte Ofrece un training y un trabajo corporal y vocal dirigido a la construcción de la actitud de cada personaje intentando poner en contacto los "masquemas" de la tradición con las características de cada actor, para que cada actor pueda encontrar su propia mascara/ carácter tradicional A finales del taller cada uno se llevara un " diploma virtual" en el carácter que más le ha llamado la atención.
Lo que puedo aportar con mi experiencia actoral a través de este taller es:

 

  1. Una presentación teórico/práctica del teatro de la Comedia del Arte y un training propedéutico
    vocal y físico.

  2. Un trabajo de investigación sobre una posible actualización de la Comedia del Arte, género teatral atado a la tradición pero a la vez aùn tremendamente potente y moderno.


STEFANO PANZERI: MIS ANTECEDENTES ARTISTICOS Y PEDAGOGICOS


Mi formación en comedia del arte empieza en 1997 con la academia de Arte Dramático en Venecia Teatro Carlo Goldoni Teatro Stabile del Veneto en la que estudio con el arlequín Enrico Bonavera.
En 1998 en Reggio Emilia encuentro el maestro Antonio Fava para la escuela internacional del Actor Cómico.
En el año 2005 en Pordenone estudio con la Arlequina Claudia Contin en un proyecto de formación para actores europeos.
En el año 2006 en Alcalá de Henares estudio con el director Carlo Boso y el Maestro de Máscara Stefano Perocco.


En el año 2008 participo a un estudio práctico sobre la actualización de la Comedia con el actor Marcello Bartoli para la Academia de arte dramático Grassi de Milán.
Mi trabajo como actor desde siempre se ha alterando e integrado con la enseñanza de arte dramático en general y de comedia del arte en particular.
Desde el año 2000 dirijo una escuela de teatro para adultos con la asociación RONZINANTE y desde el 2006 doy clases/ talleres breves intensivos de comedia del arte bien en contextos académicos ( hice un doctorado de investigación con la Universidad de Bologna sobre los puntos de contacto entre la comedia del arte y el teatro barroco español) bien en contexto de escuela de teatro, en Italia y al extranjero ( Francia, Universidad de Grenoble y España Institut del Teatre de Vic).
En mayo 2015 di un taller en el Teatro Coliseo y una clase teórica en la Facultad de Letras de Puan y para el profesorado de Italiano en la UBA, un taller práctico en la Facultad de Arte de UNICEN Tandil y uno práctico y teórico para el Centro Cultural Vissi d’Arte en Montevideo.
A partir del 27 de mayo 2016 volverè a dar clase en UNICEN d Tandil, en el CELCIT de Buenos Aires y para la Universidad de Mendoza

 

 
 

LAS HERRAMIENTAS DEL ACTOR y LA CONSTRUCCIÓN DE LA ESCENA VIVA

 TÉCNICA MEISNER

Yoska Lázaro

 

Dirigido a Toda persona  con ganas de experimentar en la Técnica, actores, estudiantes de actuación, dramatrugos, directores y todo aquel interesado en la Técnica Meisner.

 

Se pueden realizar los núcleos por separado o los dos juntos el mismo fin de semana.

 

Duración : Cada núcleo , dos encuentros de 4 horas cada uno

 

YOSKA LÁZARO

 

            | INVESTIGADOR Y DOCENTE

            | DIRECTOR

            | DRAMATURGO

            | ACTOR

            | COACH ACTORAL

 

 

Desde 2010, fundador y director de La Pieza MEISNER [Espacio de Artes Escénicas] de Buenos Aires. Dirige desde el año 2007 la compañía TeatroATresVelas de Buenos Aires

 

 

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SOBRE LA TÉCNICA

 

La Técnica Meisner de actuación es considerada como uno de los procesos más efectivos para el entrenamiento de los actores dado que les proporciona singularidad, precisión, potencia y verdad. Trabaja la verdad escénica a partir de la escucha y el impulso, enfocando su entrenamiento en una utilización realista de la imaginación y la creatividad del intérprete.

 

¿QUÉ HERRAMIENTAS OBTENGO CON LA TÉCNICA?

 

La Técnica Meisner propone descubrir los elementos que desembocan en una actuación honesta, imprevisible y singular que es atractiva para el espectador por su construcción momento a momento.

 

A través de la Técnica Meisner descubriremos cómo reconocer los impulsos y permitirnos responder a ellos; a desarrollar la atención en el otro y en nuestro entorno; a transitar la escena momento a momento; a confiar en nuestra intuición frente a la idea de cómo debería ser; y experimentar la organicidad corporal de cada uno que es lo que hace a cada actor único. Se investigará cómo ubicarse en presente, en el aquí y ahora y en la verdad de la escena.

 

DIRECTORES DE ACTORES y DRAMATURGOS, También.

 

El director de actores obtiene herramientas para obtener la actuación honesta que se propone y el dramaturgo una escena sencilla, precisa, viva cuyo estilo tendrá la palabra justa para que el cuerpo del actor sea el que termine de dar sentido a su escritura. Pueden optar por transitar la técnica desde el rol de actor o ser veedores con participación práctica con los actores del curso en cada uno de sus rubros. Serán veedores activos

 

Seminario intensivo

 

CONTENIDOS

 

NÚCLEO 1

 

‘LAS HERRAMIENTAS DEL ACTOR’

[La técnica Meisner y su desarrollo a la escena] por Yoska Lázaro

 

 

OBJETIVO

 

A través de la mecánica de la técnica Meisner el alumno descubrirá cómo reconocer sus impulsos y a responder con ellos; a activar y desarrollar la escucha en el otro; y en el momento a momento, la intuición y el instinto frente a la idea; así como experimentar la organicidad gestual de cada uno. Se investigará cómo ubicarse en presente, en el aquí y ahora, momento a momento, en el otro y en la verdad del drama.

 

 

Seminario intensivo

CONTENIDOS

 

UNIDAD 1: El Juego del actor. Percepción y desarrollo del impulso. La mirada.

 

- Principios de la técnica.

- Escucha objetiva.

- Atención vs. Concentración.

- Impulso vs. Idea

- Fuck Polite – Dejar de lado la educación social.

- La objetividad de la técnica.
- La vulnerabilidad del actor.
- La transición: el trabajo del actor.
- La mirada del actor (I).
- Repetición meisneriana.

 

UNIDAD 2: Dialogo emocional. La construcción momento a momento. El
aquí y ahora.


- La ronda.
- Auto observación.
- La mirada del actor (II) – Contención técnica al compañero.
- El gesto orgánico - el impulso - la no mecanicidad, la no
anticipación. Respirar el presente.


UNIDAD 3: Entrenamiento meisneriano – La puerta, la espera, la
preparación y las circunstancias dadas, la tarea.


- Ejercicio de la puerta.
- Prepraración personal.
- Tarea.
- Construcción escénica.


UNIDAD 4: El abordaje de la escena.


- Estructura dramática.
- Las circunstancias dramáticas de la escena.
- Partitura escénica.
- Improvisación sobre la escena.
- Escenificación.

 

 

NÚCLEO 2

‘LA CONSTRUCCIÓN DE LA ESCENA VIVA’
[De la estructura dramática al personaje honesto] por Yoska Lázaro

 

OBJETIVO


Aplicaremos los conceptos de la Técnica al trabajo directo sobre la construcción de la escena. Nuevas variables que provocarán al actor para correr el riesgo de vivir momento a momento, respirar el presente como única forma de existir, de ser, estando en escena con verdad, con unas circunstancias dadas. Abordar una escena, transitarla para luego poder reconstruirla en cada representación. "La escena no se repite, se construye cada día."

 

Seminario intensivo
CONTENIDOS


UNIDAD 1: Entrenamiento técnico. Respirar el presente. El impulso.

El momento a momento.

 

  • Principios de la técnica.

  • Escucha objetiva.

  • La intuición y el impulso.

  • No anticipar.

  • Ser presente.

  • La reacción constructora.

  • La vulnerabilidad.

  • La mirada del actor sobre sí mismo.

  • La artesanía del actor.

 

UNIDAD 2: La preparación del actor. La lectura dramática.

 

  • Leer dramáticamente: Los elementos para el actor.

  • Cómo elaborar la obra o el guión.

  • La estructura dramática de la escena.

  • Los diversos tipos de conflictos.

  • La preparación emocional.

  • La partitura escénica en los diversos lenguajes escénicos.

  • Las diversas construcciones del drama.

  • La asunción y construcción del relato: objetivo del actor.


UNIDAD 3: Escenificación . El actor honesto: personaje.

 

  • La investigación de la escena.

  • El diálogo emocional.

  • La improvisación.

  • La necesidad y el objetivo.

  • Lo esperado y lo esperable.

  • Lo que sabe el actor y no el personaje.

  • Descubriendo la trama.

  • El rol del espectador.

 

UNIDAD 4: La puesta en escena.

 

  • La construcción de la escena en cada toma o función.

  • La revisión.

  • Los ajustes.

  • La no anticipación.

  • La neo-escenificación.

 

 

MINI BIO – YOSKA LÁZARO

 

Nació en Madrid en 1979 y vive en Buenos Aires desde 2003. Es director teatral, dramaturgo, actor, docente teatral e investigador especialista en la Técnica Meisner de actuación. Desde 2010, dirige La Pieza Meisner, su espacio de artes escenicas donde imparte y desarrolla la técnica. Es fundador y director de la compañía Teatro A Tres Velas, desde 2007. Egresó de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD) como director teatral y obtuvo la beca "Familia Podestá". Se formó con Raúl Serrano, Ricardo Bartís, Mauricio Kartún, Mark Phoenix, Luis Cano, John Strasberg, Claudio Tolcachir y en el Laboratorio de Teatro William Layton de Madrid.

 

Realizó seminarios y master class de la Técnica Meisner en España, Argentina y Uruguay. En Argentina en  el San Martín de Buenos Aires, en la Escuela Metropolitana de Artes Dramático (EMAD), en la Universidad Nacional de San Martin (UNSAM); Capacitaciones del Instituto Nacional del Teatro (INT) en la Técnica Meisner durante seis meses en Resistencia (Chaco); En España, Master Class en la Universidad de Alicante y Master class en Benisa (Alicante). En Uruguay en el Centro Cultural de España en Montevideo. Ponencias sobre los avances en la Técnica Meisner en el Congreso de Historia del Teatro Universal en Centro Cultural de la Cooperación, entre otros. Y diversas conferencias y charlas sobre gestión independiente y dramaturgia.

 

Su obra Vago que dirigió y escribió formó parte del último Festival de Teatro de Buenos Aires – X FIBA., Res (en Teatro Nacional Cervantes), Los errores de Noé y Un grito sobre una pieza menor, todas de su autoría. También dirigió Llueve en Barcelona de P. Miró, El ingenio de los Orvantes de G. M. Santillán y Filigranas sobre la piel de A. Barchilón, entre otras. Y en el Teatro Regio, asistió la dirección de Guillermo Arengo y Blas Arrese Igor en Triste Golondrina Macho de Manuel Puig. Publicó en el año 2015, el primer libro “La escena de los Nadies” que compila sus obras teatrales y un ensayo sobre el trabajo con los actores.

 

SEMINARIO INTERNACIONAL DE CLOWN

MARCELO KATZ

UN PÉNDULO: IDA Y VUELTA DEL JUEGO Y LA EMOCIÓN

Marcelo Katz transita el género clownesco desde el año 1986, como intérprete, director  y maestro.

Tiene una amplia formación en Teatro, Danza, Clown, Máscaras, Música y Circo.

Integró la compañía de danza contemporánea de Teresa Duggan.

Fue actor del Elenco Estable del Teatro Municipal San Martín de Buenos Aires, entre los años 1987 y 1992.

En 1993 crea “La Trup”, primera compañía de Nuevo Circo de Argentina. Compañía que dirige hasta 1997.

Como Director montó espectáculos en teatros reconocidos de Buenos Aires: Teatro Municipal General San Martín, Teatro Nacional Cervantes, Metropolitan, Ópera, CenUo Cultural de la Cooperación, Teatro Regina, La Trastienda, Teatro Broadway, entre otros.

Fue merecedor de los principales premios y nominaciones de su medio teatral: Premio “ACE” (Asociación de Críticos de Espectáculos), "Premio Teatro XXI” (del grupo de investigación Teatral GETEA), Premio “Teatros del Mundo" (de la Universidad de Buenos Aires), Premio “Pregonero” (de la Fundación el Libro), entre otros.

 

Fue docente en la escuela de Danza de Julio Bocca, de la Escuela de Arte Dramático de la Universidad del Salvador, y lo es actualmente en el Teatro Municipal Gral. San Martín y en el CELClT (Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral)

Ha dictado cursos en diversas ciudades de Argentina, en Asunción (Paraguay), San José (Costa Rica), Lisboa (Portugal), Paris (Francia), Barcelona, Bilbao, Durango, Arrigorriaga, Navarra, Murcia, Zaragoza, Valencia, Alicante, Palencia, Ibiza, Avilés, Gijón, Madrid (España), Parma (Italia), entre otras.

Dirige Espacio Aguirre en Buenos Aires, escuela de clown, bufón y máscaras en la que se han formado más de 3000 alumnos argentinos y extranjeros.

 

El clown es el arte del placer por la tontería. Es una experiencia teatral apasionante con la que recuperamos el placer de jugar y la capacidad de expresamos espontáneamente, libres de tabúes y prejuicios.

EI clown hace reír con su mirada sobre el mundo y sus intentos de posarse por encima de de sus fracasos. La técnica del clown es profunda, alocada e inesperada.

  

Descubrir nuestro clown es un deleite que nos permite transitar el placer de jugar, convertirlo en fuerza escénica y compartirlo con el público.

 

Confundido habitualmente con el payaso, se diferencia de éste en su vestuario y maquillaje, pero Ia gran diferencia técnica es que el payaso trabaja sobre arquetipos del ridículo universal (por ejemplo, el tropezón), mientras que el clown trabaja y compone a partir de sus propios temores, sueños y obsesiones.

 

No hay absolutamente ningún requisito. Ni de edad, ni de posibilidad física, ni de experiencia previa, ni otros. Pueden convivir en el curso alumnos con y sin experiencia.

 

El trabajo del clown es un excelente entrenamiento para los artistas de todas las disciplinas y para cualquier persona, aunque no tenga experiencia en las artes escénicas. Este entrenamiento permite superar el miedo al ridículo y a la exposición, y poder recuperar la capacidad de jugar.

Tolerar el miedo al vacío y aprender a encontrar en lo inesperado, en el accidente, el mejor material de trabajo. Dejar de imponer ‘lo que el actor quiere que le pase' en la escena, y aceptar “lo que le pasa”. Aprender a tolerar las propias faltas y poder jugar con ellas

El clown se divierte con lo que le pasa en el escenario, y le regala eso al público.

 

Los principales objetivos son, entonces:

  • Disfrutar del placer del juego.

  • Convertir ese juego en material escénico.

  • Aprender a tolerar el vacío y Ia “no-organización previa de la escena”. Aprender a "soltar" el material que no prospera, y a “pescar” en escena el material interesante.

  • Encontrar en el cuerpo, y no en el intelecto, el material de trabajo para poder jugar y disfrutar.

  • Empezar a aceptarse tal cual uno es. Aprovechar la propia personalidad, incluso con los elementos que consideramos "negativos", para poder divertirnos y jugar.

 

Los puntos sobre los que se centra el trabajo son:

  • Estado clownesco:

Entrenamiento de reacción y disponibilidad.

El placer y la particular energía física del juego. Las estrategias.

 

  • La proyección:

EI clown trabaja sin cuarta pared. Todo Io que hace se Io ofrece al público. Cómo establecer el contacto. Cómo trabajar para que todo Io que le sucede se proyecta sobre el público.

 

  • El péndulo:

La escena no está  definida por lo que el público quiere, ni por lo que el clown propone. En el medio, entre el público y el clown, hay un lugar de encuentro, y es de ese maravilloso y difícil contacto, que surge el camino a tomar. El péndulo es el ida y vuelta con el público.

La capacidad de decodificar las respuestas (positivas o negativas) que el público devuelve al clown, y a partir de éstas, ir sintiendo cuales son los próximos pasos en la escena.

 

  •  Impulso:

El impulso es el motor del clown. Es el registro de lo que sucede en la escena, consigo mismo, con sus compañeros y fuera de la escena para reconvertido rápidamente en acción.

 

  •  EI trabajo sobre el vacio:

Es el entrenamiento para poder entrar sin ideas a Ia escena, o abandonar las ideas previas cuando no funcionan, y trabajar con los materiales que surgen en ese momento, frente al público. EI clown, si no sabe lo que hacer, tiene que evitar “hacer por hacer' o “hablar por hablar’. Tiene que esperar el "buen impulso". AI mismo tiempo, el trabajo necesita urgencia, por lo tanto, algo tiene que pasar “ya”. Ese pequeño espacio que existe entre no apurarse pero trabajar con urgencia, es el territorio próspero para el trabajo del clown.

Este entrenamiento también impone al actor mostrarlo que realmente le está sucediendo en la escena, y dejar de aparentar.

 

  • El presente:

EI entrenamiento impone al actor un fuerte acto de presencia y de presente. Sin hacer planes para colonizar el futuro, adelantándose a lo que vendrá, y sin retroceder mentalmente hacia instantes pasados, para analizar lo sucedido o entrar en improductivas conversaciones mentales y reproches hacia sí mismo o sus compañeros.

 

  • La composición del propio clown:

EI trabajo sobre la personalidad de cada clown surge de la mezcla de elementos conscientes e inconscientes de cada actor. El clown, se sirve de la cotidianeidad de cada actor, y del mundo de sus deseos, fantasías, temores y obsesiones.

 

Los 3 momentos de cada clase:

  • La primera parte de la clase es jugar para entrar en un estado lúdico.

  • La segunda parte de la clase es un entrenamiento escénico grupal.

  • La tercera parte de Ia clase es un trabajo sobre improvisaciones individuales, en dúos, tríos y cuartetos.

 

EL ACTOR, EL DIRECTOR, Y LA ESCENA ACTUAL - SHAKESPEARE

DAVID AMITIN

 

Entrenamiento actoral / David Amitín
Para actores y estudiantes avanzados de actuación y directores.

CONTENIDOS. Este taller está dedicado a  la actualización y reciclaje del training para actores, atendiendo a las exigencias del trabajo profesional cotidiano, tanto en el ámbito del teatro, como el del cine o la televisión, enfrentando los desafíos que conlleva la práctica escénica contemporánea, desarrollando herramientas expresivas, emotivas y vocales. Los directores podrán efectuar su práctica de dirección con los actores del Taller.

Este año nos unimos a las celebraciones del 400 aniversario de la muerte de William Shakespeare  presentando como parte del trabajo de práctica escénica el abordaje de dos de sus obras:

NOCHE DE REYES  (o Noche de Epifanía)

EL CUENTO DE INVIERNO

Se analizarán y se trabajará sobre escenas y monólogos de las mismas, poniendo el acento en las posibilidades de nuevos enfoques y la relectura contemporánea de las piezas de Shakespeare.

DAVID AMITIN. Director de teatro y ópera argentino. Reside en España desde 2002. Ha dirigido espectáculos en Argentina, Inglaterra, Alemania, Bélgica, Austria y España. Ha sido reconocido como uno de los directores teatrales más prominentes de Argentina donde recibió en dos oportunidades (1984 y 2001) el premio al mejor director de la temporada. La crítica ha destacado su versatilidad de su estilo y la originalidad de su trabajo con los textos.


En Buenos Aires dirigió, entre otros espectáculos, “Fando y Lis” de Fernando Arrabal, “Leonce y Lena” de Georg Büchner, “Memorias del subsuelo” de Fedor Dostoievsky (premio Molière 1984), “Sonata de Espectros” y “El pelícano” de August Strindberg, “Los siameses" y “Las paredes” de Griselda Gambaro, “Bartleby” de Herman Melville, (Premio de la crítica al mejor espectáculo de la temporada 2000), “Volpone” de Ben Jonson y “El pato salvaje" de Henrik Ibsen, estas dos últimas para el Teatro San Martín.


Como regisseur de ópera presentó en el Teatro Colón  “Il Barbiere di Siviglia” de Rossini, “La ciudad ausente” de Gerardo Gandini,  “El amor por tres naranjas” de Serge Prokofiev, “Il  Trovatore” de G. Verdi, “El pobre marinero” de Darius Milhaud.


En Europa ha montado en Londres  “Yerma”, de García Lorca, “Un tranvía llamado Deseo” de Tennessee Williams y “Red Cross” de Sam Shepard. En Alemania dirigió “Esperando a Godot” de S. Beckett y “Los siameses” de G. Gambaro. En Bélgica, “La señorita Julia”, de A. Strindberg.

Como régisseur de ópera montó en Alemania “El caso Makropulos” de Janacek, y en Austria, “Carmen”, de Bizet.

En España ha dirigido “Leonce y Lena” de Georg Büchner, “Misiles melódicos” de Sanchis Sinisterra y “Buenas noches, Hamlet”, versión libre de “Hamlet” de W. Shakespeare escrita en colaboración con José Ramón Fernández. Ha estrenado también en Madrid “Geografía de un soñador de caballos” de Sam Shepard.
Paralelamente a su trabajo como director, ha desarrollado una continua labor docente, impartiendo cursos para actores y directores en Europa y América Latina.

 

EL LENGUAJE DE LOS ACTOS INTIMOS

 

 SANTI SENSO​

 

"El pudor es la antesala de la vergüenza"Entrar en un estado de Vulnerabilidad: el desnudo en su punto máximo.Los espectadores (viajera y viajero, clienta y cliente, huésped e inquilina, acompañanta y acompañante, parienta y pariente) todas y todos, creadores de la dramaturgia VIVA del acto íntimo, han hecho que tenga un lenguaje propio.


MASTERCLASS "El Lenguaje de los Actos Intimos"con Santi Senso

 

Santi Senso es el creador e impulsor de los Actos Intimos y con más de 20 años de trayectoria por Europa, EEUU y Latinoamérica.

Vuelve a Montevideo para seguir compartiendo su lenguaje

 

#NOsoloPARAactores

 

Actores, Actrices, Bailarines, Cantantes Poetas, Dramaturgos, Guionistas, Poetas, Escritores,Periodistas,y para los seguidores y seguidoras del arte de estar VIVAS, VIVOS.

 

¿Qué es un Acto Íntimo?

 

Entrar en un estado de Vulnerabilidad: el desnudo en su punto máximo. Dicen que es como un forces emocional que saca visceralmente nuestra honestidad. No es una formula matemática. No es una técnida. No hay cabida para la mentira y si mientes lo harás con verdad. Es invasivo pero nunca viola. Pues llegar a sentir mideo pero no es paralizador sino te hace accionar impulsivamente para practicar el ritual de la generosidad donde el generoso no es solo el que da sino el que se deja DAR, RECIBIR. En los Actos Intimos te encontrarás con tu EGO y si lo aceptas, te aceptas podrás escuchar el EGO de tu partener solo así la frustración no te habitará. No exite el ensayo previo, ni pactos, solo así nos soprederemos de la dramaturgia VIVA.

Los Actos Intimos son solo para VALIENTES y VALIENTAS. La participación no está limitada al círculo interpretativo, sino a cualquier persona que le interese y que tenga la curiosidad por conocer como crea Santi Senso sus montajes para espacios no convencionales (sótanos, galerías de arte, molinos, en casas particulares, habitaciones de hoteles, en cuevas subterráneas de ciudades, molinos, iglesias, o incluso en teatros oficiales pero transformando la escena, rompiendo con el teatro cómodo).

 

SENSO SIENTE ESTO

 

"No soy un maestro, aunque sí que los tuve, pero no se dieron cuenta de mis inquietudes. Y si no sabía leer bien era porque soy disléxico. Vaya, no se dieron cuenta.Tal vez por esto no quiero ser responsable de la formación y deformación del ser que está creciendo.

No quiero guiar a los que están perdidos, perdidas pero si acompañarLOS y alimentarME de los deseos e ilusiones que tienen, y seguir VIVO. Hoy acepté la propuesta de compartir cómo hago para crear mis actos íntimos. Hoy reafirmo que sigo VIVO y que algo en mí vibra, y deseo compartirLO. "Compartiré cómo creo un Acto Íntimo, cómo se arma un personaje comunicándoSE desde el lenguaje íntimo. Lo descubriremos en la "WorkShop" “Master Class”, Taller “Monográfico”... Llámenlo como quieran. Yo no sé poner nombre a esta asignatura pendiente de descubrir su lenguaje pero sí ESCUCHO a los que durante tanto tiempo me pedís que haga posible este encuentro.Pues aquí lo tenéis.